Recitare per un film richiede tecniche diverse rispetto a recitare su un palcoscenico. La pluripremiata attrice Helen Mirren offre i suoi consigli sulla recitazione davanti alla telecamera.
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- Qual è la differenza tra recitazione sul palco e sullo schermo?
- La necessità di imparare le tecniche di recitazione cinematografica
- I migliori consigli per la recitazione cinematografica di Helen Mirren
- 1. Comprendi le diverse inquadrature della fotocamera
- 2. Tieni traccia della storia
- 3. Tecnica di equilibrio con l'emozione
- 4. Sviluppa un rituale
- 5. Affina il tuo processo creativo personale
- Scopri di più sulla MasterClass di Helen Mirren
Helen Mirren insegna recitazione Helen Mirren insegna recitazione
In 28 lezioni, la vincitrice di Oscar, Golden Globe, Tony ed Emmy insegna il suo processo per recitare sul palco e sullo schermo.
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Helen Mirren è una delle più grandi attrici del nostro tempo, per non parlare di una vincitrice dell'Oscar, dell'Emmy Award, del Tony Award e della vincitrice del Golden Globe. Sebbene l'attore inglese non abbia preso lezioni di recitazione tradizionali in una scuola di recitazione, ha seguito una formazione intensiva presso la prestigiosa Royal Shakespeare Company di Londra e ha anche trascorso un anno viaggiando per il mondo nella compagnia teatrale sperimentale di Peter Brook. È conosciuta per il suo lavoro sia sul palco che al cinema.
Qual è la differenza tra recitazione sul palco e sullo schermo?
Immaginativamente, recitare sul palco e sullo schermo è la stessa cosa; ma ci sono due grandi differenze che influenzano le tecniche di recitazione che usi quando reciti davanti alla telecamera. Uno è il primo piano: puoi usare il tuo viso come uno strumento più sfumato quando lavori con la fotocamera. Sul palco, il pubblico siede a distanza e non può leggere i cambiamenti sfumati nelle tue espressioni facciali nello stesso modo in cui lo farebbero sullo schermo. Nel film, ti viene concesso un maggiore controllo sulle sottigliezze dell'espressione o sui cambiamenti nei toni vocali. L'altro è il controllo sulle tue prestazioni. Quando sei in uno spettacolo, hai il pieno controllo della tua performance: come ti muovi, quando ti muovi, quando attiri l'attenzione o quando scegli l'immobilità. Nel cinema, cedi parte del tuo controllo a un regista e montatore, che costruisce la tua performance attraverso una serie di inquadrature.
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Qual è la differenza tra recitazione sul palco e sullo schermo?Helen Mirren
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La necessità di imparare le tecniche di recitazione cinematografica
Gli attori professionisti più versatili si dedicheranno all'apprendimento delle tecniche di recitazione cinematografica al meglio delle loro capacità. Il processo di apprendimento della tecnica può essere un duro lavoro, ma è necessario per lasciarsi andare e trovare la libertà creativa. Durante il processo di apprendimento della tecnica cinematografica di Helen, ha trovato ispirazione nel libro Interviste con Francis Bacon, in cui Bacon discute come avere una padronanza della tecnica ti offra la capacità di avere momenti di pura ispirazione fuori controllo.
I migliori consigli per la recitazione cinematografica di Helen Mirren
Qui, Helen condivide i suoi quattro migliori consigli di recitazione cinematografica per attori dello schermo, ricordandoti che la tua interpretazione più brillante sarà utilizzabile solo se colpisci il tuo segno.
1. Comprendi le diverse inquadrature della fotocamera
Per avere successo davanti alla telecamera, devi capire i modi in cui verrai ripreso. Ottieni una comprensione più profonda di come i fotogrammi e gli angoli influenzano le tue prestazioni con alcuni degli scatti più comuni della fotocamera:
- Primo piano: un'inquadratura ravvicinata che ingrandisce un aspetto specifico di un personaggio o di una scena, di solito espressioni facciali o gesti delle mani; la sottigliezza è la chiave con il primo piano. Più spesso usato per fornire un senso di vicinanza emotiva, ma può anche essere usato per rivelare il sottotesto o creare confusione limitando l'accesso del pubblico alla scena più ampia.
- Mid-shot: uno scatto confortevole che riempie l'inquadratura in egual modo con lo sfondo e i soggetti. Solitamente utilizzato per ritrarre piccoli gruppi di persone intente a dialogare o un'inquadratura a mezzo busto di una singola persona in azione.
- Campo lungo: campo lungo che viene tirato indietro in modo da mostrare un'intera scena, solitamente realizzato con un obiettivo grandangolare. Pensa a scene in cui interi eserciti marciano, o folle di persone riempiono le strade, o un'auto si snoda lungo una strada panoramica, o un attore attraversa una foresta.
Per mettere in pratica le tue abilità di recitazione davanti alla telecamera, invita un partner per aiutarti a filmare il tuo monologo usando queste tre diverse inquadrature: un campo lungo, un campo medio e un primo piano. Esegui il tuo monologo in ogni inquadratura al meglio delle tue capacità. Nota come fare un'inquadratura ampia ti consente di utilizzare la tua fisicità e lo spazio in cui ti trovi, mentre l'inquadratura centrale e il primo piano spostano la consapevolezza di ciò che sta accadendo nei tuoi occhi e sul tuo viso. Nota anche come alcune delle tue posture corporee e manierismi scompaiono nel primo piano. Studia ciascuno. Come differiscono? Cosa cambieresti?
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Per saperne di più2. Tieni traccia della storia
I film sono spesso girati fuori sequenza, quindi è essenziale mantenere una consapevolezza proattiva di come le tue scene o i tuoi scatti si inseriscono nel film complessivo. Assicurati di familiarizzare con il supervisore della sceneggiatura, che è incaricato di monitorare la continuità, e può tenerti informato su dove ti trovi nella storia. È utile avere un'idea dell'ordine delle riprese all'inizio della giornata e non aver paura di chiedere quale sarà la ripresa successiva se ti sei perso.
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3. Tecnica di equilibrio con l'emozione
Pensa come un professionista
In 28 lezioni, la vincitrice di Oscar, Golden Globe, Tony ed Emmy insegna il suo processo per recitare sul palco e sullo schermo.
Visualizza classeIl cinema richiede che la tua mente corra su più piste contemporaneamente: la pista emozionale e la pista tecnica. L'epitome della tecnica cinematografica è essere in grado di bilanciare un senso acuto di dove sei emotivamente con un senso acuto di dove la telecamera è in relazione a te. Durante la tua carriera di attore, ci saranno casi in cui le scene richiedono contemporaneamente un'intensa espressione emotiva e abilità tecniche; è qui che il pensiero a due tracce ti aiuterà a riprodurre sia il momento emotivo della scena in tempo reale, pur sapendo esattamente dove si trova la telecamera.
4. Sviluppa un rituale
Scelto dalla redazione
In 28 lezioni, la vincitrice di Oscar, Golden Globe, Tony ed Emmy insegna il suo processo per recitare sul palco e sullo schermo.I set cinematografici e i teatri possono essere luoghi opprimenti e fonte di distrazione. Per dare la tua migliore prestazione, trova un modo per escludere le distrazioni e rimanere radicato nel tuo processo personale.
Questo è ciò che accade appena prima di una ripresa: sei nel tuo mondo; sei nel tuo carattere; sei nel tuo ambiente, dice Helen. Ovunque sia! potrebbe essere l'antica Roma, sai, potrebbe essere ovunque. Ma, a questo punto, devi eliminare tutta questa roba dal tuo mondo. Devi mantenere la concentrazione, ritrovare il tuo carattere; ritrova il tuo ambiente E ora, forse sei pronto per lavorare.
Se ti senti perso o ansioso, prova a sviluppare un rituale da inserire nel tuo personaggio o nel momento della storia, forse è una meditazione o una singola parola che ripeti a te stesso, o forse è semplice come ricordare a te stesso la tua intenzione prima inizia la scena. Puoi anche cercare ispirazione nei bambini e nei cani, come fa Helen. Sono così semplici e così presenti quando sono davanti alla telecamera che sono sempre affascinanti. Cerca quello stato in te stesso.
Quando il regista chiama l'azione, non devi iniziare a recitare subito, dice Helen. Se hai bisogno di un po' più di tempo solo per tirarti giù da tutta questa straordinaria distrazione che hai dovuto affrontare nel prepararti per entrare sul set e poi sul set. Un set è un ambiente incredibilmente distratto e tutto sta nel mantenere la concentrazione.
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4. Sviluppa un ritualeHelen Mirren
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Esplora la classe5. Affina il tuo processo creativo personale
È importante ricordare che sei unico, tutti gli attori lo sono, quindi sii onesto con ciò di cui hai bisogno in modo da poter fare del tuo meglio. Potresti avere un modo completamente diverso rispetto al tuo co-protagonista di prepararti per una ripresa. Rimani fedele al tuo processo e non lasciare che altri attori ti buttino fuori da questo. Se stai lottando con una sfida sul set, come un co-protagonista con cui non ti colleghi, prova a incanalare i tuoi sentimenti nella tua performance: usali, non combatterli.
Alla fine non ci sono regole. Continuerai a imparare man mano che procedi e molto di ciò che fai sul set arriverà con l'esperienza. Abbandonati a questo fatto e continua a trovare la gioia nel tuo lavoro, che tu stia mirando a un ruolo in un cortometraggio o in un blockbuster di Hollywood.
